MATISSE: La conversación

En “La conversación” se ve a un matrimonio conversando; sin embargo, esa conversación es muda, los personajes son inexorablemente opuestos: el hombre (un autorretrato) es la figura dominante, se encuentra de pie, mientras que la mujer se recuesta malhumorada en la silla. 

Está cercada por la silla, prisionera de sí misma, rodeada por todas partes. Los brazos de la silla la confinan y, sin embargo, la silla apenas se distingue del fondo de la pintura, está dentro de su propio contexto.

La ventana le ofrece una posibilidad de salida, pero la contiene la baranda de hierro. El destaca, posee un dinamismo que a ella le falta. El cuadro no puede contenerlo y su cabeza sobresale del marco para incursionar en el mundo exterior. 

La única palabra de esta hostil conversación es la escrita en la barandilla “Non”  Ambos personajes se niegan mutuamente para siempre.

EL SECRETO MEJOR GUARDADO DE SOROLLA: SU MUJER

Desde que Sorolla conoció a  Clotilde, los dos eran adolescentes, no se separaron. Esta mujer lo fue todo para el pintor: esposa, musa, su modelo favorita, la madre de sus tres hijos y hasta su minuciosa contable, el pintor  la llamaba “mi ministro de hacienda” 

En este cuadro consigue que las sábanas satinadas de color rosáceo junto  al sensual cuerpo de Clotilde sean los auténticos protagonistas del cuadro, la luz ilumina de forma brillante los tonos blancos y rosas pero pierde intensidad al  acariciar el cuerpo desnudo.

La evocación a la Venus del espejo de Velázquez, la sensualidad, delicadeza y atractivo irresistible, invita al espectador a pasear la mirada por toda la obra.

¿PUDO SER ESTE EL ASPECTO ORIGINAL DEL PARTENÓN?

Según las descripciones antiguas este pudo ser el aspecto del interior del Partenón (s.V.a.d.C) con la mágnífica escultura de Fidias: una gigantesca imagen de madera, de unos once metros de altura, como un árbol, totalmente recubierta de materias preciosas: la armadura y las guarniciones, de oro; la piel, de marfil. 

Estaba también llena de color brillante y vigoroso sobre el escudo y otros lugares de la armadura, sin olvidar los ojos hechos de piedras preciosas resplandecientes. 

En el dorado yelmo de la diosa sobresalían unos grifos, y los ojos de una gran serpiente enrollada en la cara interior del escudo estaban marcados también, sin duda, por dos brillantes piedras. Debió haber sido una visión atemorizadora y llena de misterio la que ofrecía al ingresar en el templo y hallarse, de pronto, frente a frente con esa gigantesca estatua. 

Era, sin duda alguna, casi primitiva y salvaje en algunos de sus aspectos

LORD FREDERICK LEIGHTON .Sol ardiente de junio

Es una imagen de gran belleza que obliga a contemplar la fuerza del color y la composición.

Leighton hace un homenaje a una gran tradición en la historia del arte, que se remota a Tiziano, en la que las imágenes de las mujeres durmientes se representaban parcialmente desnudas:"Venus". Estaban destinadas a inspirar pensamientos sensuales

La era  victoriana es conocida por sus actitud puritana, y aunque aquí la figura no aparece desnuda, sus ropas de fuego tienen el propósito de excitar y despertar los sentidos. El sorprendente color naranja llama la atención y sólo la banda suave de azul en el horizonte enfría la escena. La adelfa, en la parte superior derecha, simboliza el vínculo frágil entre el sueño y la muerte.

JEAN AUGUSTE INGRES.Delicada sensualidad

Un virtuosismo técnico excepcional hace de los cuadros de Ingres joyas auténticas de sensibilidad, perfección y belleza.Su composiciones desprenden armonía mientras una luz envolvente y difusa rodea sus figuras.

La exactitud psicológica de sus retratos  se une con el erotismo exótico de sus desnudos femeninos, sus mujeres son pasivas, con mirada lejana. 

Las texturas: cortinajes, pañuelos, abanicos, toallas, alfombras...que acompañan siempre a sus figuras, muestran su dominio pictórico.

Admirador de Miguel Ángel, Rafael y Velázquez fue admirado por Picaso y Man Ray . Es este último retomará sus torsos desnudos como inspiración para su famosa fotografía "El violín de Ingres"

Ingres es sabio, pero no "frío"

FRESCO DE FLORA O LA PRIMAVERA

Este fresco romano del siglo I,  no se sabe con certeza si representa una figura humana o divina y por tanto si se trata de un episodio bucólico sin otra pretensión que reproducir una escena cotidiana, o se trata de una representación de Flora, diosa de las flores, el jardín y de la Primavera, lo que daría sentido a los dos títulos que se le asignaron desde que fue descubierta.

La posición de la muchacha en una actitud despreocupada y vista desde atrás, lo que permite el detalle sensual de la espalda desnuda y los pies descalzos, es una composición atrevida y diferente, y de una enorme sencillez además, sólo remarcada por las líneas verticales del tallo en flor y de la propia figura, que sobresalen así de la escena

NEIL DAWSON.Una escultura que engaña al cerebro

Esta obra de Neil Dawson se encuentra en Nueva Zelanda,  en la parte superior de una colina. Se trata de una escultura, hecha de acero soldado y pintado que parece un dibujo de historieta  o comic . Es una pieza gigantesca que simula un papel arrugado.

En equilibrio sobre el suelo, parece como si pudiera coger una brisa y volar lejos, a través de ella se puede ver el cielo, las nubes, los pájaros donde debería ser papel 

JACOB COLLINS. Un clásico en Nueva York

Jacob Collins es una figura destacada en el renacimiento contemporáneo de la pintura clásica. Pintor realista y figurativo de estilo clásico que estaba fuera del gusto de la modernidad a finales del siglo 20.

Obtuvo una licenciatura en historia del Columbia College, asistió a la New York Studio School, de Nueva York de la Academia de Arte, y el Art Students League. Como estudiante, Collins copiaba extensamente en museos de América y Europa. 

Su obra ha sido ampliamente exhibida en América del Norte y Europa, y está incluido en varios museos estadounidenses. 

Collins es el fundador de la calle del agua Atelier, La Grand Central Academy of Art, y la Comunidad del Río Hudson

GEORGE UNDERWOOD.Realismo fantástico

Durante años, Underwood produjo literalmente cientos de portadas de libros, portadas de CD y LP, (T Rex , los álbumes de David Bowie, Hunky Dory y Ziggy Stardust) publicidad, retratos y dibujos. 

"George, a lo largo de los años, perfeccionó su trabajo hasta el punto en que lo pondría entre los pintores figurativos que sobresalen en este momento en el Reino Unido . 

Hay un sublime aislamiento que rodea a sus sujetos que llegan a tocar realmente al espectador, las figuras se ven heroicas y vulnerables al mismo tiempo. 

Hay un elemento intemporal en la elección del tema que se superpone con el mundo mítico. Ahora que se lleva a cabo un gran cambio en la pintura , yo espero ver el nombre de George ubicándose más y más alto cada día" David Bowie 

COURBET. Hombre desesperado (autorretrato)

Pintor francés famoso sobre todo por dos razones: su ferviente pasión por el escándalo, (“si dejo de escandalizar,dejo de existir”) y por el realismo absoluto de su obra pictórica.  

El desesperado es un cuadro que Gustave Courbet realizó entre 1843-45 y  es un autorretrato del artista en la imagen de un hombre joven que mira al espectador con desesperación e impaciencia.

Es uno de los mejores autorretratos que existen, dramático, suspendido en el grito, los ojos desorbitados, las manos se agarran el pelo, parece que quiere detener algo que ya es inevitable, ¿qué mira Courbet en ese instante, qué es lo que le espanta? 

EL BOSCO.Extracción de la piedra de locura (1490)

En el interior de un círculo el Bosco representó la operación para extraer “la piedra de la locura” ante un amplio paisaje. Son cuatro los personajes que componen la escena. El cirujano de pie y el incauto enfermo sentado. A su lado se encuentra un ayudante de pie y la anciana apoyada en el velador con un libro sobre la cabeza. 

La inscripción en letras góticas que enmarca el círculo ha sido traducida como: Maestro, quitame pronto esta piedra, mi nombre es Lubbert Das [a veces traducido como Tejón Castrado]. 

El Bosco pretende satirizar el intento del personaje central por curarse de su locura, entendida como estupidez o ignorancia, argumento muy común en diversos proverbios flamencos. El embudo invertido que porta el cirujano parece aludir a que es él el verdadero loco, mientras que la mujer con el libro en la cabeza que contempla asombrada la escena quizá simbolice la verdadera ciencia. El tulipán sobre la mesa hace referencia al dinero de la operación, símbolo del beneficio que percibirá el cirujano, aludiéndose a su condición de estafador.(Museo del Prado)

Detalles de "La joven de la perla ". VERMEER DE DELFT

La mirada de la joven modelo es lánguida e inquietante, al girar la cabeza con los labios ligeramente entreabiertos recibe la luz de una ventana grande iluminada por la luz natural, posiblemente en el estudio del pintor

La perla  captura casi exclusivamente la luz que impregna la obra. es de gran tamaño con forma de gota. Aunque la joven que lo lleva sea pobre, esta joya era, en tiempos de Vermeer, la prerrogativa de las damas de la aristocracia de la clase alta. 

La perla se dibuja utilizando sólo dos lágrimas: trazos separados unos de otros, es el ojo humano que tiene la ilusión de ver la perla completa. 

En el siglo XVII, las perlas eran una rareza preciosa, se importaban de Extremo Oriente. 

                                                   

ANTONIO CANOVA: Eros y Psique

Según esta leyenda, que ha servido de base para muchos cuentos de hadas, Psique (que en griego significa alma) era una princesa de extraordinaria belleza de la cual se enamoró Eros (la personificación mitológica del amor). La curiosidad de Psique hizo que abriera el cántaro que le había dado Proserpina para que se lo llevara a Venus y que contenía el secreto de la belleza.

Al abrir el cántaro, una nube la envolvió y cayó en un sueño profundo del que no se despertó hasta que no fue besada por Eros.

La obra pertenece al escultor veneciano Antonio Canova,representante del neoclasicismo italiano.

El conjunto escultórico fue comenzado en 1787 y terminado en 1793 por encargo del coronel inglés John Campbell 

CONSTANTIN BRANCUSI. Musa dormida

En 1910, la baronesa Renée Irana Frachon fue el modelo para  esta escultura. 

En vez de crear un busto tradicional, Brancusi prefirió trabajar con el fragmento de una cabeza desprovista de cuerpo, que representó utilizando una simple forma oval. 

Las cabezas de las musas están reclinadas sobre un lado, como si estuvieran durmiendo  Sin embargo, su pose no es estática. Hay indicios de movimiento en la manera en que parecen mantenerse en equilibro mientras duermen, como si estuvieran en un equilibrio precario permanentemente.

La cara sumamente pulida contrasta con las escasas ondas del cabello, los ojos cerrados y la boca entreabierta. El único elemento que sobresale es la nariz, que surge de una lisa forma ovalada. Brancusi experimentaba utilizando distintos materiales. Perfeccionaba su esculpido haciendo desaparecer cualquier rastro del cincel que pudiera quedar en el material, creando rasgos que acababan siendo cada vez menos definidos. El único rasgo al que le confiere trazos más marcados, o mayor pátina, es el cabello.

GOYA. Perro semihundido

Esta escena decoraba uno de los muros de la casa de Goya conocida como la “Quinta del Sordo”. 

La cabeza de un perro aparece tras una mancha de color, que Goya no definió, ante un espacio desnudo y vacío y mirando hacia arriba,  a algo o alguien que estaba fuera de la composición. Es, sin duda, la más enigmática de las Pinturas Negras.

¿Qué quiso expresar don Francisco de Goya cuando pintó esta triste y solitaria cabeza de perro hundida en un mar de dunas? Efectivamente, se trata de un perro cubierto u oculto por la arena, de él vemos sólo su cabeza y su expresión alucinada. ¿Pudiera ser una metáfora de la angustia ante el fin próximo? Tal vez el animal lucha por liberarse de la muerte, como lo hacía el propio pintor ya anciano, en sus últimos años de vida.

¿O bien es un ser que se asoma a la vida y que descubre inmediatamente el vacío, la soledad de este mundo? Quizá Goya nos muestra su propia soledad, su asombro y perplejidad ante la cruel realidad que le rodeaba.

BIANCA SFORZA.¿Nueva obra de Leonardo da Vinci?

La joven modelo es Bianca, la hija ilegitima del Duque de Sforza, regente de Milán y mecenas de Leonardo. Bianca falleció pocos meses después de contraer matrimonio cuando contaba con 13 años de edad. 

Los análisis técnicos realizados hasta el momento parecen confirmar la teoría de Kemp de que nos encontraríamos ante un nueva obra, desaparecida durante más de 500 años, del genial Leonardo. 

NUEVA OBRA DE BRANKSY

Banksy ha actualizado recientemente su página web con una serie de nuevas obras . Mi obra   favorita es esta pieza sencilla que representa una bailarina pintada con spray de forma delicada que se posa sobre la cuerda en la parte posterior de un marco , como una cuerda floja. 

¡Qué divertida e ingeniosa!

HIPPOLYTE FLANDRIN, "Joven desnudo frente al mar"

Jeune homme au bord de la mer "(1855) es la obra más conocida del pintor francés Jean Hippolyte Flandrin (1809- 1864). Discípulo de Ingres en la maestría del desnudo masculino, en este cuadro nos muestra a un adolescente desnudo y aislado del mundo exterior. Respira soledad y una cierta tristeza.La composición que ha hecho el pintor con este desnudo es preciosa, la curva que se recorta con el fondo de mar... La desnudez del joven en una postura que arropa su interior, su inmovilidad, el rumor de las olas y el silbido del viento, fluyendo por su ser, como en el de una caracola

LA BUENAVENTURA

El año 1922 fue uno de los que mayores triunfos obtuvo Julio Romero de Torres, al realizar en la Galería Witcomb de Buenos Aires una exposición de gran éxito

En La buenaventura muestra la tristeza de una joven enamorada de un hombre casado –circunstancia de cuyo peligro le avisa la echadora de cartas mostrándole el cinco de oros– al que en segundo plano intenta retener su esposa, quedando ésta, en un tercer plano, sola en el quicio de la puerta. Al fondo la ciudad de Córdoba y el Cristo de los Faroles.

Una historia perfecta como letra para un "tango" o una "copla" española

Romain de Tirtoff, ERTÉ o el Art Decó

Romain de Tirtoff (23 noviembre 1892 hasta 21 abril 1990) fue un artista francés de origen ruso y diseñador conocido por el seudónimo de Erté.

Está considerado como uno de los fundadores originarios del movimiento Art Deco Sentía fascinación por las miniaturas persas e hindúes. Este exotismo influiría enormemente en sus creaciones y en su estilo.  

Según él, su segunda influencia en cuanto a su técnica gráfica, fueron los vasos griegos del museo del Ermitage en San Petersburgo, donde pasaba días enteros estudiando aquellos vasos.

Sus figuras delicadas y los diseños sofisticados y glamorosos son reconocibles al instante, y sus ideas de moda influirán en el  arte del siglo XXI. 

Sus trajes y conjuntos se presentaron en las Ziegfeld Follies de 1923, muchas producciones del Folies Bergère y los escándalos de George White. También diseñó para películas como Ben-Hur, El Tiempo Mystic, El Comediante, Madness Danza, y La bohème