RAFAEL PENAGOS. Un nuevo tipo de mujer

RAFAEL DE PENAGOS  (1889-1954) es uno de los grandes dibujantes e ilustradores de la historia del arte español

Fue el gran creador de la ilustración Art-Déco en España y el gran innovador de la ilustración gráfica. Además, entre sus mayores aportaciones está el hecho de haber creado un nuevo tipo de mujer -- la llamada "mujer Penagos" -- marcada por la modernidad y sofisticación en su forma de vestir, y en sus modos y maneras de comportarse. 

 Edgar Neville dijo que "las mujeres de Penagos enseñaron a las españolas a no ser gordas" a pintarse las uñas de rojo o a fumar y leer "la Esfera".
De suma coquetería y actitud  desafiante con  cigarrillo en mano
(contrariando las costumbres de la época) sus conocidísimas figuras femeninas, maquilladas, modernas y coquetas, se convirtieron en el modelo de los "felices años veinte" madrileños

ANTONIO CANOVA: Hebe, la diosa de la juventud

Hebe era una de los cuatro hijos de Zeus y Hera.

La diosa de la juventud era la encargada de servir las copas con el néctar de la inmortalidad y la eterna juventud a los dioses del Olimpo

Un día en que al ejercer su oficio sufrió una caída en la sala del banquete, se avergonzó Zeus y  la separó en el instante de su empleo, confiriéndole al noble Ganímedes ese lugar. Hera la conservö a su servicio, encargándola de la conducción de su carro. 

 Hebe se unirá con Hércules y será madre de  Alexiara y Aniceto.

En esta obra de Canova el cuerpo de Hebe avanza con tal ligereza que su manto se ciñe al cuerpo en su parte delantera mientras ondea al viento por detrás.

Su cuerpo frágil y terso mantiene en una mano la copa de oro y en la otra una pequeña jarra para escanciar el líquido y preciado elemento

PAUL GAUGUIN.Joven con abanico

Gauguin había planeado su viaje a Tahiti como un escape de la civilización La relación con la naturaleza salvaje, real o imaginaria, se convirtió en el modo de recuperar la inocencia y la felicidad. Con formas toscas exaltaba el poder de lo sencillo.

En 1902  retrata a una joven polinesia de nombre  Tohotaua, esposa de un amigo a partir de una fotografía. La retrata con el pecho descubierto , con uno de sus senos tapado por un abanico que sujeta con la mano derecha, lo que en la Polinesia tenía un significado de distinción  y el resto del cuerpo envuelto por un vestido blanco que contrasta con el bello color castaño de la piel de la muchacha y la tonalidad rojiza de su cabello, su  mirada perdida desprende dulzura y nostalgia. 

MATISSE: La conversación

En “La conversación” se ve a un matrimonio conversando; sin embargo, esa conversación es muda, los personajes son inexorablemente opuestos: el hombre (un autorretrato) es la figura dominante, se encuentra de pie, mientras que la mujer se recuesta malhumorada en la silla. 

Está cercada por la silla, prisionera de sí misma, rodeada por todas partes. Los brazos de la silla la confinan y, sin embargo, la silla apenas se distingue del fondo de la pintura, está dentro de su propio contexto.

La ventana le ofrece una posibilidad de salida, pero la contiene la baranda de hierro. El destaca, posee un dinamismo que a ella le falta. El cuadro no puede contenerlo y su cabeza sobresale del marco para incursionar en el mundo exterior. 

La única palabra de esta hostil conversación es la escrita en la barandilla “Non”  Ambos personajes se niegan mutuamente para siempre.

EL SECRETO MEJOR GUARDADO DE SOROLLA: SU MUJER

Desde que Sorolla conoció a  Clotilde, los dos eran adolescentes, no se separaron. Esta mujer lo fue todo para el pintor: esposa, musa, su modelo favorita, la madre de sus tres hijos y hasta su minuciosa contable, el pintor  la llamaba “mi ministro de hacienda” 

En este cuadro consigue que las sábanas satinadas de color rosáceo junto  al sensual cuerpo de Clotilde sean los auténticos protagonistas del cuadro, la luz ilumina de forma brillante los tonos blancos y rosas pero pierde intensidad al  acariciar el cuerpo desnudo.

La evocación a la Venus del espejo de Velázquez, la sensualidad, delicadeza y atractivo irresistible, invita al espectador a pasear la mirada por toda la obra.

¿PUDO SER ESTE EL ASPECTO ORIGINAL DEL PARTENÓN?

Según las descripciones antiguas este pudo ser el aspecto del interior del Partenón (s.V.a.d.C) con la mágnífica escultura de Fidias: una gigantesca imagen de madera, de unos once metros de altura, como un árbol, totalmente recubierta de materias preciosas: la armadura y las guarniciones, de oro; la piel, de marfil. 

Estaba también llena de color brillante y vigoroso sobre el escudo y otros lugares de la armadura, sin olvidar los ojos hechos de piedras preciosas resplandecientes. 

En el dorado yelmo de la diosa sobresalían unos grifos, y los ojos de una gran serpiente enrollada en la cara interior del escudo estaban marcados también, sin duda, por dos brillantes piedras. Debió haber sido una visión atemorizadora y llena de misterio la que ofrecía al ingresar en el templo y hallarse, de pronto, frente a frente con esa gigantesca estatua. 

Era, sin duda alguna, casi primitiva y salvaje en algunos de sus aspectos

LORD FREDERICK LEIGHTON .Sol ardiente de junio

Es una imagen de gran belleza que obliga a contemplar la fuerza del color y la composición.

Leighton hace un homenaje a una gran tradición en la historia del arte, que se remota a Tiziano, en la que las imágenes de las mujeres durmientes se representaban parcialmente desnudas:"Venus". Estaban destinadas a inspirar pensamientos sensuales

La era  victoriana es conocida por sus actitud puritana, y aunque aquí la figura no aparece desnuda, sus ropas de fuego tienen el propósito de excitar y despertar los sentidos. El sorprendente color naranja llama la atención y sólo la banda suave de azul en el horizonte enfría la escena. La adelfa, en la parte superior derecha, simboliza el vínculo frágil entre el sueño y la muerte.

JEAN AUGUSTE INGRES.Delicada sensualidad

Un virtuosismo técnico excepcional hace de los cuadros de Ingres joyas auténticas de sensibilidad, perfección y belleza.Su composiciones desprenden armonía mientras una luz envolvente y difusa rodea sus figuras.

La exactitud psicológica de sus retratos  se une con el erotismo exótico de sus desnudos femeninos, sus mujeres son pasivas, con mirada lejana. 

Las texturas: cortinajes, pañuelos, abanicos, toallas, alfombras...que acompañan siempre a sus figuras, muestran su dominio pictórico.

Admirador de Miguel Ángel, Rafael y Velázquez fue admirado por Picaso y Man Ray . Es este último retomará sus torsos desnudos como inspiración para su famosa fotografía "El violín de Ingres"

Ingres es sabio, pero no "frío"

FRESCO DE FLORA O LA PRIMAVERA

Este fresco romano del siglo I,  no se sabe con certeza si representa una figura humana o divina y por tanto si se trata de un episodio bucólico sin otra pretensión que reproducir una escena cotidiana, o se trata de una representación de Flora, diosa de las flores, el jardín y de la Primavera, lo que daría sentido a los dos títulos que se le asignaron desde que fue descubierta.

La posición de la muchacha en una actitud despreocupada y vista desde atrás, lo que permite el detalle sensual de la espalda desnuda y los pies descalzos, es una composición atrevida y diferente, y de una enorme sencillez además, sólo remarcada por las líneas verticales del tallo en flor y de la propia figura, que sobresalen así de la escena

NEIL DAWSON.Una escultura que engaña al cerebro

Esta obra de Neil Dawson se encuentra en Nueva Zelanda,  en la parte superior de una colina. Se trata de una escultura, hecha de acero soldado y pintado que parece un dibujo de historieta  o comic . Es una pieza gigantesca que simula un papel arrugado.

En equilibrio sobre el suelo, parece como si pudiera coger una brisa y volar lejos, a través de ella se puede ver el cielo, las nubes, los pájaros donde debería ser papel 

JACOB COLLINS. Un clásico en Nueva York

Jacob Collins es una figura destacada en el renacimiento contemporáneo de la pintura clásica. Pintor realista y figurativo de estilo clásico que estaba fuera del gusto de la modernidad a finales del siglo 20.

Obtuvo una licenciatura en historia del Columbia College, asistió a la New York Studio School, de Nueva York de la Academia de Arte, y el Art Students League. Como estudiante, Collins copiaba extensamente en museos de América y Europa. 

Su obra ha sido ampliamente exhibida en América del Norte y Europa, y está incluido en varios museos estadounidenses. 

Collins es el fundador de la calle del agua Atelier, La Grand Central Academy of Art, y la Comunidad del Río Hudson

GEORGE UNDERWOOD.Realismo fantástico

Durante años, Underwood produjo literalmente cientos de portadas de libros, portadas de CD y LP, (T Rex , los álbumes de David Bowie, Hunky Dory y Ziggy Stardust) publicidad, retratos y dibujos. 

"George, a lo largo de los años, perfeccionó su trabajo hasta el punto en que lo pondría entre los pintores figurativos que sobresalen en este momento en el Reino Unido . 

Hay un sublime aislamiento que rodea a sus sujetos que llegan a tocar realmente al espectador, las figuras se ven heroicas y vulnerables al mismo tiempo. 

Hay un elemento intemporal en la elección del tema que se superpone con el mundo mítico. Ahora que se lleva a cabo un gran cambio en la pintura , yo espero ver el nombre de George ubicándose más y más alto cada día" David Bowie 

COURBET. Hombre desesperado (autorretrato)

Pintor francés famoso sobre todo por dos razones: su ferviente pasión por el escándalo, (“si dejo de escandalizar,dejo de existir”) y por el realismo absoluto de su obra pictórica.  

El desesperado es un cuadro que Gustave Courbet realizó entre 1843-45 y  es un autorretrato del artista en la imagen de un hombre joven que mira al espectador con desesperación e impaciencia.

Es uno de los mejores autorretratos que existen, dramático, suspendido en el grito, los ojos desorbitados, las manos se agarran el pelo, parece que quiere detener algo que ya es inevitable, ¿qué mira Courbet en ese instante, qué es lo que le espanta? 

EL BOSCO.Extracción de la piedra de locura (1490)

En el interior de un círculo el Bosco representó la operación para extraer “la piedra de la locura” ante un amplio paisaje. Son cuatro los personajes que componen la escena. El cirujano de pie y el incauto enfermo sentado. A su lado se encuentra un ayudante de pie y la anciana apoyada en el velador con un libro sobre la cabeza. 

La inscripción en letras góticas que enmarca el círculo ha sido traducida como: Maestro, quitame pronto esta piedra, mi nombre es Lubbert Das [a veces traducido como Tejón Castrado]. 

El Bosco pretende satirizar el intento del personaje central por curarse de su locura, entendida como estupidez o ignorancia, argumento muy común en diversos proverbios flamencos. El embudo invertido que porta el cirujano parece aludir a que es él el verdadero loco, mientras que la mujer con el libro en la cabeza que contempla asombrada la escena quizá simbolice la verdadera ciencia. El tulipán sobre la mesa hace referencia al dinero de la operación, símbolo del beneficio que percibirá el cirujano, aludiéndose a su condición de estafador.(Museo del Prado)

Detalles de "La joven de la perla ". VERMEER DE DELFT

La mirada de la joven modelo es lánguida e inquietante, al girar la cabeza con los labios ligeramente entreabiertos recibe la luz de una ventana grande iluminada por la luz natural, posiblemente en el estudio del pintor

La perla  captura casi exclusivamente la luz que impregna la obra. es de gran tamaño con forma de gota. Aunque la joven que lo lleva sea pobre, esta joya era, en tiempos de Vermeer, la prerrogativa de las damas de la aristocracia de la clase alta. 

La perla se dibuja utilizando sólo dos lágrimas: trazos separados unos de otros, es el ojo humano que tiene la ilusión de ver la perla completa. 

En el siglo XVII, las perlas eran una rareza preciosa, se importaban de Extremo Oriente. 

                                                   

ANTONIO CANOVA: Eros y Psique

Según esta leyenda, que ha servido de base para muchos cuentos de hadas, Psique (que en griego significa alma) era una princesa de extraordinaria belleza de la cual se enamoró Eros (la personificación mitológica del amor). La curiosidad de Psique hizo que abriera el cántaro que le había dado Proserpina para que se lo llevara a Venus y que contenía el secreto de la belleza.

Al abrir el cántaro, una nube la envolvió y cayó en un sueño profundo del que no se despertó hasta que no fue besada por Eros.

La obra pertenece al escultor veneciano Antonio Canova,representante del neoclasicismo italiano.

El conjunto escultórico fue comenzado en 1787 y terminado en 1793 por encargo del coronel inglés John Campbell 

CONSTANTIN BRANCUSI. Musa dormida

En 1910, la baronesa Renée Irana Frachon fue el modelo para  esta escultura. 

En vez de crear un busto tradicional, Brancusi prefirió trabajar con el fragmento de una cabeza desprovista de cuerpo, que representó utilizando una simple forma oval. 

Las cabezas de las musas están reclinadas sobre un lado, como si estuvieran durmiendo  Sin embargo, su pose no es estática. Hay indicios de movimiento en la manera en que parecen mantenerse en equilibro mientras duermen, como si estuvieran en un equilibrio precario permanentemente.

La cara sumamente pulida contrasta con las escasas ondas del cabello, los ojos cerrados y la boca entreabierta. El único elemento que sobresale es la nariz, que surge de una lisa forma ovalada. Brancusi experimentaba utilizando distintos materiales. Perfeccionaba su esculpido haciendo desaparecer cualquier rastro del cincel que pudiera quedar en el material, creando rasgos que acababan siendo cada vez menos definidos. El único rasgo al que le confiere trazos más marcados, o mayor pátina, es el cabello.

GOYA. Perro semihundido

Esta escena decoraba uno de los muros de la casa de Goya conocida como la “Quinta del Sordo”. 

La cabeza de un perro aparece tras una mancha de color, que Goya no definió, ante un espacio desnudo y vacío y mirando hacia arriba,  a algo o alguien que estaba fuera de la composición. Es, sin duda, la más enigmática de las Pinturas Negras.

¿Qué quiso expresar don Francisco de Goya cuando pintó esta triste y solitaria cabeza de perro hundida en un mar de dunas? Efectivamente, se trata de un perro cubierto u oculto por la arena, de él vemos sólo su cabeza y su expresión alucinada. ¿Pudiera ser una metáfora de la angustia ante el fin próximo? Tal vez el animal lucha por liberarse de la muerte, como lo hacía el propio pintor ya anciano, en sus últimos años de vida.

¿O bien es un ser que se asoma a la vida y que descubre inmediatamente el vacío, la soledad de este mundo? Quizá Goya nos muestra su propia soledad, su asombro y perplejidad ante la cruel realidad que le rodeaba.

BIANCA SFORZA.¿Nueva obra de Leonardo da Vinci?

La joven modelo es Bianca, la hija ilegitima del Duque de Sforza, regente de Milán y mecenas de Leonardo. Bianca falleció pocos meses después de contraer matrimonio cuando contaba con 13 años de edad. 

Los análisis técnicos realizados hasta el momento parecen confirmar la teoría de Kemp de que nos encontraríamos ante un nueva obra, desaparecida durante más de 500 años, del genial Leonardo. 

NUEVA OBRA DE BRANKSY

Banksy ha actualizado recientemente su página web con una serie de nuevas obras . Mi obra   favorita es esta pieza sencilla que representa una bailarina pintada con spray de forma delicada que se posa sobre la cuerda en la parte posterior de un marco , como una cuerda floja. 

¡Qué divertida e ingeniosa!

HIPPOLYTE FLANDRIN, "Joven desnudo frente al mar"

Jeune homme au bord de la mer "(1855) es la obra más conocida del pintor francés Jean Hippolyte Flandrin (1809- 1864). Discípulo de Ingres en la maestría del desnudo masculino, en este cuadro nos muestra a un adolescente desnudo y aislado del mundo exterior. Respira soledad y una cierta tristeza.La composición que ha hecho el pintor con este desnudo es preciosa, la curva que se recorta con el fondo de mar... La desnudez del joven en una postura que arropa su interior, su inmovilidad, el rumor de las olas y el silbido del viento, fluyendo por su ser, como en el de una caracola

LA BUENAVENTURA

El año 1922 fue uno de los que mayores triunfos obtuvo Julio Romero de Torres, al realizar en la Galería Witcomb de Buenos Aires una exposición de gran éxito

En La buenaventura muestra la tristeza de una joven enamorada de un hombre casado –circunstancia de cuyo peligro le avisa la echadora de cartas mostrándole el cinco de oros– al que en segundo plano intenta retener su esposa, quedando ésta, en un tercer plano, sola en el quicio de la puerta. Al fondo la ciudad de Córdoba y el Cristo de los Faroles.

Una historia perfecta como letra para un "tango" o una "copla" española

Romain de Tirtoff, ERTÉ o el Art Decó

Romain de Tirtoff (23 noviembre 1892 hasta 21 abril 1990) fue un artista francés de origen ruso y diseñador conocido por el seudónimo de Erté.

Está considerado como uno de los fundadores originarios del movimiento Art Deco Sentía fascinación por las miniaturas persas e hindúes. Este exotismo influiría enormemente en sus creaciones y en su estilo.  

Según él, su segunda influencia en cuanto a su técnica gráfica, fueron los vasos griegos del museo del Ermitage en San Petersburgo, donde pasaba días enteros estudiando aquellos vasos.

Sus figuras delicadas y los diseños sofisticados y glamorosos son reconocibles al instante, y sus ideas de moda influirán en el  arte del siglo XXI. 

Sus trajes y conjuntos se presentaron en las Ziegfeld Follies de 1923, muchas producciones del Folies Bergère y los escándalos de George White. También diseñó para películas como Ben-Hur, El Tiempo Mystic, El Comediante, Madness Danza, y La bohème

PETER DOIG. Fascinación por las aguas quietas

Pocos artistas como Peter Doig han contado en vida con el título de pintor más cotizado de su país. Si además se trata de Gran Bretaña, estaremos ante uno de los valores más sólidos del mercado mundial del Arte. 

Si en su primera época recuerda a Schiele y a Klimt, las obras de una posterior etapa en la que vuelve al Caribe evocan la pintura de Gauguin en Tahití, aunque sus intenciones fueran muy diferentes. 

Su Arte es una síntesis de influencias y estilos pero él mismo ha dicho que extrae sensaciones de sus recuerdos, lo que denomina “Abstracción de la memoria”.

DOMENICO GHIRLANDAIO. El gran retratista florentino.

Admiro la serenidad con la que sus personajes miran el mundo , los libera de dramatismo tenso o exagerado...

OLGA ZIEMSKAQUE. El poder de la naturaleza.

"Quietud en movimiento" es una escultura de la artista polaca Olga Ziemskaque .
 La pieza está hecha de ramas de sauce que han sido cortadas y apiladas para crear una figura humana.

L.S. LOWRY. Ingenuidad o realidad

Lawrence Stephen Lowry es uno de esos pintores que engañan, pues con la simplicidad de sus líneas y colores, hacen creer que no ven mucho… pero es al contrario, pues Lowry veía no sólo la simplicidad sino la dureza -y las pequeñas alegrías- de la vida de la gente del Norte de Inglaterra mientras afrontaban dos guerras mundiales y una restauración de la que apenas se estaban recuperando en los noventas… hasta que llegó la crisis financiera y…

KEES VAN DONGEN. Damas

Sus obras, brillantes, cargadas de luz, y de colores intensos, nos muestra un pintor diferente, exuberante y provocador. Sus damas estilizadas con grandes ojos cercados de oscuro y cubiertas con fantásticos tocados nos acercan a  los felices años veinte del siglo pasado.

Es una fiesta para los sentidos además de comprender, lo que significó el

principio del siglo XX para esos artistas europeos, marcados por los avatares históricos del momento

Los colores son pinceladas casi siempre violentas, rotundas.

Se entregó al color convirtiéndolo en contenido

ALEX KATZ. Siluetas

«Yo inventé el arte pop y otros me quitaron la comida» Alex Katz

Pintor y escultor norteamericano,entiende que la esencia del arte no se logra por acumulación sino por un proceso depurativo eliminando de la obra todo aquello que es superfluo o innecesario 
En la aparente simplicidad de sus cuadros se aprecia una meditada composición, una calculada manera de exponer el objeto representado.Y lo mismo puede decirse de los colores, potentes, plenos y de una expresividad rotunda.

EL BOSCO.El jardín de las delicias

El Bosco, es uno de los pintores más apasionantes y enigmáticos de toda la historia de la pintura .Según algunos, pasaba largos ayunos para tener visiones y alucinaciones y poder crear obras imaginativas y originales. Según otros, formaría parte de alguna secta secreta y por eso sus cuadros están repletos de mensajes ocultos y enigmas difíciles de descifrar. 

Más de mil figuras forman parte de esta obra en donde El Bosco representa los placeres carnales de forma explícita, con relaciones sexuales variadas y creativas entre parejas y grupos, con la presencia de simbólicos animales e imaginativas construcciones como el hombre-árbol, fuentes imaginativas, máquinas infernales..

Fantasía y originalidad. El Bosco incluye personajes fantásticos que, en ocasiones, llega a recordar a los bestiarios románicos. 

Parecen temas irreales, como si representaran sueños,es considerado el precursor del surrealismo 

CLAUDE MONET.La luz, el color

Estaba centrado en la representación del momento fugaz e irrepetible, en la atmósfera, el aire y la luz. Todas las cosas que contemplamos no son inmutables sino que nuestra percepción de las mismas cambia según las contemplemos de día o de noche; con luz natural o artificial; en días claros o nublados; al amanecer, al mediodía o por la tarde; un día primaveral o invernal; en días despejados o con calima, niebla, etc.

No utiliza el color negro y las pinceladas van el colores puros, sin mezcla

MAURICE DENIS

Maurice Denis destacado pintor y teórico entre los artistas Nabis, simbolistas profetas de su tiempo y uno de los padres del arte moderno. " Recordad que un cuadro, antes de ser una anécdota cualquiera, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores reunidos en un cierto orden"
Sus árboles rectos, altos , son un pretexto de líneas verticales que contrastan con curvas y arabescos ornamentales y pliegues de los vestidos.
Los espacios de "bosque sagrado" crean una misteriosa comunicación de los personajes con la naturaleza y con potencias supranaturales de gran misticismo.

EL FAYUM: retratos romanos.

En El Fayum a 60 km de El Cairo se desarrolló entre los siglos II y III , una importante pintura funeraria consistente en retratos de extraordinaria viveza, realizados con pincel o espátula sobre madera, empleando pintura al temple o pigmentos naturales mezclados con cera de abeja (encáustica) o mezclando ambas técnicas.
Las familias ricas del Egipto romano siguieron momificando a sus muertos, colocando un retrato del mismo, pintado directamente sobre el sudario o sobre una delgada tabla, que era colocada a la altura del rostro del cadáver
Los pintores, herederos de la tradición naturalista de los griegos, fueron capaces de captar la vida misma.

PAUL SÉRUSIER la naturaleza, la tradición, lo ancestral

El Talismán, un paisaje con árboles, una casa y agua donde se refleja todo, pintado por Paul Sérusier sobre la tapa de una caja de cerillas, causó tal expectación en París, que alrededor de esta obra nació el grupo de los Nabis (profetas).
Estos pintores irán acentuando la predilección por temas emblemáticos, por una pintura simplificada, a la manera egipcia o romana, de colores planos, con contornos acentuados y sinuosos. La utilización de los colores intensos ya no se corresponde con la realidad.
Sérusier comprendió las ideas de Gauguin: "Si ves amarillo elige el amarillo más estridente que tengas en la paleta  y aplicalo al cuadro" "Arte es lo que tú ves, la emoción que te produce"

GUSTAVE CAILLEBOTTE. La quietud de Paris

Uno de los artistas impresionistas más desconocidos. Su obra pasó desapercibida y la crítica no le tubo en cuenta. Como mecenas, su fortuna sirvió para financiar exposiciones y comprar cuadros de sus amigos: Degas, Manet, Pisarro..

Reunió un enfoque casi fotográfico y algunas composiciones urbanas son tratadas con extrañas y vertiginosas perspectivas

El trabajo manual no fue uno de los temas predilectos de los impresionistas. Sólo Caillebotte y Degas  lo tratan con cierta frecuencia.

En los paisajes campestres suele utilizar el estilo Renoir, pero en "Calle de Paris, día lluvioso" donde no hay interrelación de personajes y la pintura es plana nos adelanta el sabor y la manera de pintar de Edward Hopper.

El paraguas inventado en el Reino Unido apenas tres años antes lo introduce como un elemento transgresor en la pintura

TANAGRAS.Pequeñas esculturas griegas

Aunque Tanagra - una antigua ciudad de la región griega de Beocia- les da nombre, en realidad la producción de estas figuras en terracota surgió en Atenas durante el siglo IV a.C. Representan figuras femeninas (también jóvenes, niños, etc) que se caracterizan por su gracia y por sus elegantes vestiduras.

Su aspecto casual y distendido produce una sensación de instantánea fotográfica; sentadas, de pie, jugando, en poses y gestos que las alejan del resto de la escultura de la época.

El drapeado de las telas se ajustan a los cuerpos.Llevan en sus manos objetos diversos y también sombreros de diferentes usos y estilos.

Estas figurillas eran regalos que acompañaba a cada momento de la vida cotidiana y  utilizadas también como ofrendas en santuarios.

Odilon Redon: el simbolista "positivo"

Las formas redondeadas, las líneas sinuosas y la sensación de flotabilidad son características de la pintura simbolista de Odilon Redon, fue el pintor de la imaginación y el subconsciente.

Seres andróginos con ojos cerrados-en busca de la mirada interior- cíclopes, ángeles, arañas que sonríen...desfilan por espacios cargados de color

Siempre estuvo dispuesto a desenterrar secretos: de la vida, del alma, lo desconocido, lo místico, lo transcendente. Se interesaba por la literatura, la ciencia, la música...todo formaba parte de su mundo.

Según sus propias palabras "Toda mi originalidad consiste en hacer vivir humanamente a seres inverosímiles"